buuuu... ADIOS AL COLEGIO

SE ACABO Y LAS CLASES EN EL SAN GABRIEL NO VAN A SER NUNCA MÁS PARA NOSOTROS, NO SEA EL CASO CLARO DE QUE VOLVAMOS COMO PROFESORES EX ALUMNOS OPCION QUE NO DEBEMOS DESCARTAR, SIEMPRE SE LLEVARÁ AL COLEGIO EN LA MENTE O EL CORAZÓN AUNQUE NO SE QUIERA PORQUE DE ALGUNA U OTRA FORMA A TODOS NOS MARCO, SIEMPRE VAMOS A ESTAR RECORDANDO LOS MOMENTO VIVIDOS Y A NUESTRA "LOLITA" HASTA DE LOS QUE NO LA QUIERAN (IDIOTAS) BUENO DEJANDO ATRAS TODO ESO EMPIEZA UNA NUEVA ETATA -SI PASO EL COLE- VAMOS EMPEZÓ NUESTRA CARRERA COMO EX ALUMNOS GABRIELINOS.

Cuento

Entones mientras pasaba y veia un mundo totalmente diferente al que yo lo habia vivido hasta mis 18 años pues en todo ese tiempor resumia mi vida con mis padres la vida en el colegio un mundo totalmente diferente al que se me muestra aqui y pues veo que todo es diferente y que nada va conmigo o con lo que yo en un principio vivi, mi vida normal no pasaba de ir a l colegio pasar con mis amigos reirme de ciertas cosas el fin de semana salir y casi no tener ninguna responsabilidad pues si necesitaba algo les pedia a mis papás y en el colegio el uniforme, las ordenes , los horarios, las exigencias que en si me pedia y pues yo las seguia y asi pase mis años del colegio pasaron los años y de la noche a la mañana me estaba graduando , se me exponia una vida totalmente diferente a la que yo ya habia vivido tenia que tener una universidad a la que sea que vaya todo sería diferente pues tnedría mayor independencia con mis cosas mis padres no tenian que estarme controlando mucho y tampoco usaría uniforme aparentemente esta vida ser muy bonita y mejor que la del colegio pero habia que tener mayor responsabilidad en todas las cosa y la añoranza que se tenia de lo que se hacia en el colegio, de tus amigos, las clases pues la gente no era como en el colegio era diferente las cosas que yo hacia solo me servian para mi y yo hacia todo pues habia mayor egoismo, los profesores no exigian más y me sentia un tanto más viejo que ya no era como antes que pasaba de risa en risa sino que ya tenia que estudiar y solo eso pues estaba en juego mi futuro y algo que atromentaba mi mente y retumbaba en mi cabeza era que si me iba a ir bien cuando me gradue, y la añoranza de los años del colegio, llego la reunion de los exalumnos y habia desde gente que ya murio, compañeros ya viejos con tres hijos, ellos casi sin cabelllos pues con cuarenta años encima a quien no, mientras los veia y los saludaba, pero yo con esfuerzo logre graduarme y cada dia es un esfuerzo y una lucha constante por llevar a mi casa lo que ellos necesiten por eso pienso que no importa lo que haya seguido si soy bueno y me gusta esta bien sobretodo si me esfuerzo en lo que hago todo lo lograria.

Miguel Morales

El dúo Binelli-Feman

El día jueves 15 de mayo en la Casa de la Música a realizó un concierto de tango interpretado por Daniel Binelli, la máxima expresión actual del bandoneón argentino y Polly Ferman pianista uruguaya.

La tónica en la entrada fue la misma, un público de clase media alta que llenaron todas las localidades y que desde la primera sinfonía fue extasiada por el bandoneón de Binelli. En la presentación la idea del tango fue otra, un tango totalmente estilizado y académico, las mejores obras argentinas interpretadas por los más eruditos músicos.

La presentación fue rica porque presentaron, tangos, milongas y candombes, una fusión entra Argentina y Uruguay y desde el primer momento el bandoneón sonó como tos pianos a la ves, notas agudas y metálicas mezcladas con suaves acordes que seguían el movimiento estrepitoso de Binelli.

Toda la obra se destacó por un nuevo tango, un tango contemporáneo en lagunas partes un tango sin sentido para algunos iodos inexpertos, pero hermoso para otros por su capacidad melódica y la fusión de instrumentos para formar un todo.

No fueron tangos de Gardel, ni ningún clásico, sino obras magistrales de Ástor Piazzolla en una noche en donde se le homenajeaba y en donde al final nadie quedó insatisfecho.

Cabe destacar que este acto fue limitado, el primer motivo fue el precio de las entradas y a tales cosos se convierte en un evento en donde solo una parte privilegiada de la sociedad quiteña puede asistir y que todavía algunos inventos artísticos son condicionados por el dinero. Los espacios de arte en Quito se tienen estas serias limitaciones que además se ven agravadas por un gusto muy limitado en cuestiones de cultura.

Por: José Andrés Ocaña.

El arte de la insensibilidad y la muerte???

Guillermo Vargas Habacuc es un costarricense que dice ser artista. En agosto hizo una exposición en una galería de Managua y, tras atar a un perro a una pared, lo dejó morir de hambre. Según él, esa sádica, bárbara y necia obviedad era una manifestación artística.
El repugnante montaje de Habacuc reabre la cuestión de los límites del arte, o cómo bajo la excusa del hecho artístico se pueden cometer todo tipo de tropelías que en realidad sólo buscan llamar la atención y sólo son puro narcisismo patológico.
Hace dos años, una exposición del Reina Sofía de Madrid incluyó un vídeo de 53 minutos en donde se veía matar a martillazos a una vaca; y lo peor fue que el Consejo de Críticos de Artes Audiovisuales sacó un comunicado en defensa de “la libertad creativa”.
Qué triste que, justamente aquellos que deberían estar reflexionando sobre el arte, sobre su sentido y sus fronteras morales, prefirieran abdicar del pensamiento y cultivar el corporativismo y el lugar común.
¿Pero qué demonios es la libertad creativa? ¿Les parecerá creativo matar de hambre a un perro?
Y entonces, ¿por qué no hacer arte de atormentar a un niño, por ejemplo? Aterrorizar a un crío durante horas, ¿no revelaría muy creativamente el sustrato referencial del miedo arquetípico y otras atrocudades semejantes?
El caso Habacuc roza una cuestión aún más esencial, una de las fronteras de la civilidad del siglo XXI: la comprensión de nuestra continuidad orgánica con el resto de los animales, y la certidumbre de que no seremos capaces de respetarnos a nosotros mismos si no respetamos a los demás seres vivos.
Durante las clases hemos visto la manera de determinar qué es o no arte, pero hasta que punto podemos considerar que algo es artístico a costa del irrespeto a la vida? Pues para cualquier estúpido sin habilidad, sin técnica y sin un poco de decencia y respeto a la vida puede llamar arte a lo que se le salga de la barriga, pues es necesario que como personas pensantes estemos a favor de la vida y de entender que el arte no debe pasar límites de lo humano y del respeto a la vida. Hablar de este tipo de cosas es hablar también de las corridas de toros que son un atentado a la vida y es llamada arte…. Solo por el hecho de asesinar a un ser vivo es un crimen y no es arte bajo todo punto de vista.

Jorge Mora S.

Haiku

Es una de las formas tradicionales de poesía japonesa, derivada de la palabra Haikai (forma poética basada en lo cómico y divertido). Fue asociándose con el Renga, formando al Haikai-no-Renga, siendo sucedido por el Hokku de Matsuo Basho (personalizó la estética y la expresividad), pero llamaba Haiku al Hokku.

Masaoka Shiki, separó sustancialmente al Hokku (cómico) y el Haiku (espiritual). Formado por 17 moras (unidad lingüística de menor rango que la sílaba) en 3 versos (5-7-5 moras) sin rima. Contiene una palabra clave (kigo), que hace referencia a la estación del año. Influenciado por la filosofía y la estética del zen (naturalidad, sencillez, sutileza, austeridad, libertad y eternidad).

En Sudamérica también se ha visto presente, representado por Jorge Luis Borges y Mario Benedetti (Rincón de Haikus, 1999). De igualmanera presente en otros autores argentinos como Rafael Roldán Auzqui (Haikus a flor de voz, 1997).

Haikus:

una campana
tan solo una campana
se opone al viento
(Mario Benedetti)

la luna nueva
ella también la mira
desde el otro puerto
(Jorge Luis Borges)

Lluvia de mayo.
Corre velozmente
el río Mogami
(Matsuo Basho)

Martín Angulo

Mirar

Si la ven, allí está, moviéndose, paso a paso y muy despacio, por ese rincón sucio. Tal vez ha traspasado tres o cuatro obstáculos en una hora, incluyendo esa gran cuchara con restos, roída por un nervioso paladar.

Nació de mi mano, tenia la sensación de miles y miles de hormigas nacientes y causando revolución. Nació como un maniquí, como una sombra, un prototipo sin gracia que pasea en busca de amor. Ropa. Dinero. Cemento.

Su fragante olor se sentía como a hierro como a un blanco pálido, ese que es aburrido sin vida, solo es.

Quiso ser arlequín uno triste. Cuando se daba la ocasión hacía el papel de Camile, al pararse con una sombrilla frente a los diente de león (escaso ya) que crecen en el parque de la Magdalena, tal ves imaginaba que eran amapolas o tulipanes y como se acercaba agosto, serraba sus férricos ojos y escuchaba el sonidos de los molinos de Holanda.

Creo que se ajustó al mundo, fue ella. Ropa. Dinero. Cemento. Un fuerte vibrar y uno que otro sonidito molesto cada dos minutos. Un botón, seco y milimétrico.

CLIC

CLIC

CLIC……

Si lo ven, allí está, moviéndose, paso a paso y muy despacio, por ese rincón sucio. Tal vez ha traspasado tres o cuatro obstáculos en una hora, incluyendo esa gran cuchara con restos, roída por un nervioso paladar.

La costumbre, es autómata, sin gracia. Un gran automóvil. Ropa, negra. Cemento. A muerto desde que es una sombra, desde que nació.

Por; José Andrés Ocaña

Ubú Rey

Alfred Jarry tenía apenas quince años de edad cuando escribió y escenificó su obra más famosa “Ubú Rey”. Ubú es un rey grotesco, símbolo de la codicia, la ignorancia y la arbitrariedad, tanto que el término “ubuesco” es generalmente admitido como sinónimo de absurdo, aberrante y ridículo.

Jarry inventa, a la par que a este singular personaje, la palabra Patafísica (la ciencia de las soluciones imaginarias). Y por supuesto, el lenguaje patafísico de UBU que es sobre todo un lenguaje destructor. Jarry lo explicaba así: “El lenguaje no pretende representar la realidad (de todas maneras no podría hacerlo puesto que miente) sino que sustituye la realidad.

La estructura lingüística es otra realidad, otra verdad. La redimensión patafísica del lenguaje hay que hacerla desde el caos, es decir en un orden desordenado. A partir de esta explicación se comprende porque es difícil distinguir en los parlamentos de Ubú Rey, dónde termina el lenguaje-verdad y dónde empieza el lenguaje-mentira. Es el uso de la lengua como elemento de dominación”.

La primera, más importante y reiterativa palabra de UBU Rey es merdre, una invención del autor que no requiere traducción. A partir de ella lo sublime se abraza con lo vulgar, el amor espiritual con la obscenidad, y Emmanuel Dieu (Dios) con la bestia (Ubú).

...el señor Ubú es un ser innoble, asesina al rey de Polonia, hace trizas al tirano lo que parece esto a algunos pues tiene apariencia de acto justiciero. Una vez Rey acaba con los nobles, luego con los burócratas y después con los campesinos. Así, desapareciendo a todo el mundo asegura haber acabado con los culpables y se presenta como hombre de principios y medio. A la manera de un buen anarquista pone en ejecución por sí mismo sus fallos, despedaza a la gente porque le apetece y exhorta a los soldados rusos que no disparen contra él porque eso no le gusta. Es un poco fierabrás al que nadie contradice hasta que se atreve contra el Zar. El Zar hace justicia y lo separa del trono del que abusó, expulsa al señor Ubú de Polonia con las tres partes integrantes de su potencia, integradas el siguiente vocablo: “cuernoepanza” por el poderío de sus apetitos inferiores...

Martín Angulo

La mejor película Surrealista

Un Perro Andaluz

El perro andaluz es la primera película de Luis Buñuel y Salvador Dalí realizada en 1929, en donde un hombre afila una navaja con la cual corta de forma impactante el ojo de una mujer mientras una nube pasa por delante de la luna.

Esta escena crea un impactante choque al espectador ante esta visión tenía como objetivo fijar en el horror todo sentimiento de apreciación estética que podía sentir ante tal mutilación. Lo que hace diferente esta película es que Buñuel y Dalí no fueron influidos por la técnica o por los ejercicios de estilo, aunque fueran vanguardistas. Existe un rompimiento con los moldes tradicionales.

Al destruir en la pantalla un ojo que representa la mirada del espectador, el personaje manifiesta su intención, la intención de Buñuel, de convertir en caducos todos nuestros hábitos visuales, para abrir la vía a otras profundidades de la experiencia, ilustradas de modo ejemplar por las imágenes violentamente chocantes que vienen a continuación.

La película tuvo como objetivo llevar los sueños que tenían estos artistas a un plano de expresión, por ello las imágenes no tienen mucha conexión en cuanto a historia, pero en cada una de ellas se pueden resaltar los elementos de extrañeza, irracionalidad, elementos de un mundo imaginario donde no hay sentido, pero que refleja un sentimiento muy real, como el deseo sexual, cuando se le agarran los pechos a una mujer, existe la rebeldía de expresar sus creencias.

Su proceso creativo consistió básicamente en trabajar sobre las imágenes que les venían a la mente, sin detenerse a examinarlas o pensarlas, ya que lo único que como creadores rechazaban era que se les pudiera dar a estas imágenes una interpretación racional, psicológica o cultural.

Con la colaboración de Dalí y bajo los influjos del surrealismo, la cinta condensa una originalidad visual e imaginativa que se desprende de las intenciones para sumergirse en el mundo de los significados del inconsciente colectivo, la violencia, la brutalidad y la sexualidad de las escenas son aún mayores si recordamos que se estaba trabajando en la época del cine mudo.

En la segunda, desde mi punto de vista no existe una ilación logica o continuidad, así como en muchas de las obras modernas con la ausencia de una temática existe en ella una serie de imágenes sin relación manifestando un caos visual e ideológico.

En este caos destaca un tipo de ideología que se figura a la de Freud, el cual aporta una influencia sobre cada uno de los cortometrajes que vimos al igual como en el surrealismo, el cubismo y algunos de los otros movimientos modernos.

Su cine está repleto de reminiscencias estéticas del siglo pasado y de su infancia. Su ciudad natal quedó, por ejemplo, inmortalizada a través del Milagro de Calanda, pero como imagen erótica en su película Ensayo de un Crimen y Tristana; en los tiempos de la infancia de Buñuel un devoto de la Virgen del Pilar a quien habían amputado una pierna soñó que la virgen le ordenaba untarse el muñón con óleos santos y reponer el ya enterrado miembro en su lugar. El milagro fue que la pierna volvió a desempeñar su función a pesar de que la carne estaba putrefacta y agusanada. La religión fue un gran tema en toda su trayectoria, sobre todo en un principio.

Termina el cine surrealista de Buñuel en esta época, pero el director siguió usando formas e ideas surrealistas en sus demás películas, sobre todo en cuanto a las imágenes; comúnmente planos medios y generales de una vida ordinaria, que cambian súbitamente a través de un viaje, un corte o un acercamiento que destaca el gesto, el rostro o el objeto en un cambio de ritmo que se conecta con lo anterior de manera magistral.

Jorge Mora S.

Cuento

Me quema la imagen de tu perro en mi cabeza. Hoy te voy a extrañar y pediré a la luna tres deseos, dos por África uno por París, y mientras las hojas del árbol no caigan, resistirán por momentos las ganas de fumar.

Tengo sueño, me duele la espalda y quiero vomitar. Escucho un tema patético pero no lo cambio porque el que le sigue es más patético aún. La cámara de foto se quedó sin batería y el rollo se veló. Será por eso que no tengo tus fotos en mi mesa de luz. Pero no importa, porque leo tus últimos renglones y te imagino soñando, te imagino también desnuda, durmiendo, agotada, con ganas de estar despierta y contarme sobre los gnomos del jardín o de algún gato de ojos celestes que te contagia enfermedades que después me contagias a mí.

Apagué la música, me comía la cabeza. Ahora te escucho que me llamas. O tal vez sea a otro Daniel y tal vez ni siquiera seas tú. No me importa, me voy a dejar llevar, porque descubrí que te convertiste en “esa” mujer, la que encuentro en todos lados y que me mira al pasar. Te veo en cada una de ellas, y te busco. Y me dicen, Daniel, ¿qué miras? Y no les puedo responder. Porque es feo decirles que te busco a ti.

Entonces me quedo callado. Y mientras me besan, me pregunto si vos abrirías los ojos así nos vemos, y me seduces, y te seduzco. Y mi mente se deja llevar y te hago el amor en cada persona que me hace el amor. Y te siento tan dentro que hasta te imagino iniciando mis latidos, con tus dos manos y tus dos piernas y tu cuerpo y tus gemidos, entonces desfallezco y tienen que llamar al médico, y me quitan la camisa y me ponen los shock eléctricos y doy saltos y no funciona y me dan otro más y mi línea de la vida se hace horizontal y de repente comienzan de nuevos los pulsos y la vida y la sangre corriendo por las venas de nuevo.

Hablé con Dios y me dijo que si subía, te perdía para siempre, así que decidí quedarme en la tierra y escribir el final más cursi de toda la historia de la humanidad, pero no me importa, porque descubrí que lo que más me gusta, es saber que existís. Y que no te imaginé, y que a pesar de que te quise regalar un cuento surrealista, me dejé llevar por la locura y terminé naufragando en un vaso mitad vacío.

Martín Angulo

Surrealismo

Intentar plasmar los sueños, un mundo de sueños. Como toda vanguardia trata de hacer algo nuevo e intentar plasmar algo nuevo, algo interesante y que nunca se ha hechos antes y es así como se hace el surrealismo tratar de causar impacto con ciertas características que conmocionan a la persona que admira esto algunas como elementos incongruentes, desnudos , la evocación al caos que hacian que se llame la atencion y pues de esta manera es como se va viendo que todo te asombra y nada es real.

El surrealismo que expresa otro mundo a mi no me gusta pues me parece que hace pensar a las personas que estan fuera de este mundo y no viven una realidad por lo que expresa es sueños y yo prefiero algo que sea real y que me muestre lo que de verdad sucede en la vida pues pienso que así es como una persona llega a tener conciencia de lo que saucede alrededor y no en una burbuja que no le muestra lo que en verdad sucede a su alrededor pues se va a un mundo desconocido y no se da cuenta de lo mal que esta este mundo y más bien piensa que todo va bien y no piensa en cambiarlo, yo soy más partidario de historias o arte q ue te muestre lo que es la realidad y también te provoque una especie de sufrimento y que te impacte de verdad.

Miguel Morales

La Autopista del Sur- Julio Cortazar

Un cuento donde se desconoce la identidad de los personajes pues simplemente se ve como para referirse a alguien se lo dice por su tìtulo o por el carro que conducen y se puede observar claramente la desesperación de los personajes en la que se ve que estan en una carretera a merced del clima con él, frío, calor ydemás situaciones que dan la idea de que se desenvuelve toda una vida y talvez una tragedia en la que mueren personas pero se ve la calidad de trabajo por que el drama se desenvuelve en un embotellamiento de la carretera lo que se opone al clásico estilo de hollywood en que el drama se da en escenarios que dan lugar a esto, pero Julio Cortázar da lugar a un embotellamiento que resulta realmente desesperadamente.

Pero a mi personalmente me da la idea de lo que es la vida por que si bien es cierto los personajes tienen cada una profesión distinta y desempeñan diversas funciones en el grupo que lo conforman pues, se ve claramente , militares, monjas, ingeniero, vigias que hacen que este sea fascinante pues en la vida se da esta clase desesperación como que en momentos avanzas lentamente y otras más rápido también se ve que al final todo termina bien y cada una de las personas velan por si mismo y ellas solo piensan en si pues ya nadie se ayuda, y pues solo en momentos críticos es donde las personas se ayudadn despúes cada una de ellas se olvida de la otra.

Una critica es que talvez el final podia ser que nunca se acabe el embotellamiento y más bien todo siga como esta .

Miguel Morales

Poemas al alimón, Quebrantahuesos…… Cadáver Exquisito.

Poemas al alimón, Quebrantahuesos…… Cadáver Exquisito.


El cadáver exquisito era un juego surrealista de creación colectiva, que podía ser escrito o gráfico. En esta obra cada miembro del grupo realizaba su parte de la obra sin conocer por completo las otras partes.
En este tipo de collage el accidente jugaba un papel muy importante. Los surrealistas se basaron en un juego de salón que ya existía y el nombre de “cadáver exquisito” se debe precisamente al primer juego que hicieron los surrealistas y en los que la oración inicial empezó así:
“El cadáver exquisito tomará el vino nuevo”. Todo esto en francés, por supuesto, pero la frase inicial lo decía ya todo, el cadáver fue una bandera para los poetas que creían que la poesía debía ser hecha por todos y no por uno.


¿Qué tanto puede reflejar de cada persona el cadáver exquisito?

Pues Nicolas Calas, vanguardista suizo, sostenía que un cadáver exquisito tiene la facultad de revelar la realidad inconsciente del grupo que lo ha creado, en concreto los aspectos no verbalizados de la angustia y el deseo de las personas que participan de este juego, en relación con las dinámicas de posicionamiento afectivo dentro del mismo. Además fue catalogado como un “barómetro” de los contagios intelectuales dentro de un círculo de creadores.

Es fácil el darse cuenta de la personalidad y el carácter de cada persona al momento de jugar al cadáver exquisito, solo basta en darse cuenta de la manera en que escriben o dibujan y el contenido de aquello, como decía Rulfo que no existen más que tres temas básicos: el amor, la vida y la muerte: para captar su desarrollo normal, hay que saber cómo tratarlos, qué forma darles, sin repetir lo que han dicho otros.

La literatura… Un gran cadáver exquisito.

En tantos cambios continuados de anteriores lecturas, podría considerarse si la literatura no es en sí misma un gran cadáver exquisito a partir de temas y preocupaciones bastante simples. Que a lo largo de los tiempos se han intentado hacer evolucionar con nuevas ideas como las vanguardias, pero si no se sabe de historia ni tampoco de técnica no se puede hacer una verdadera obra literaria a demás de las demás artes, se ven sumidas en por lo menos un mínimo de tradicionalismo y secuencia de otras cosas, volviendo así a la literatura en ese gran cadáver exquisito que a la larga se preocupa en esencia de cosas bastante simples.

Jorge Mora S.

En la tarde

Caminando entre olas, ya decidiendo por sí mismo el color del cielo, se imaginó a un unicornio llamado viento.

Sus ojos azules algo inquietos observaron lentamente la imaginación de un bosque oculto.
Y se agacharon miles, reverenciando su presencia y se encontraron alegres bajo un mismo universo clamando al unísono: bello es nuestro pensamiento!!!.

La imaginación y lo sublime viene siempre ligado a lo mismo, el unicornio manchó de tinta un trozo de papel, que se convirtió en un sinsentido, donde ideas vanas y sin esperanzas se mezclaban y entonces se atrevió a decir que aquello era un cuento.

Se apagaron las luces del pensamiento, se puso el punto final a este cuento donde no hay realidad alguna ni verdades ocultas.

Martín Angulo

Mementon

Memento es una que exige la total atención del espectador desde el momento en que comienza toda su trama. En la película existe un excelente juego del tiempo en donde relata la historia desde el presente hacia el pasado de una forma casi exacta donde cada parte está pensada en secuencia para que se realice la siguiente.

Este juego del tiempo del tiempo hace que el exportador este muy atento de cada suceso en la obra y además obliga a que este hago un esfuerzo mental mayor a la hora de observarla púes la obra es una red de sucesos que se van explicando conforme la película avanza.

Causas y consecuencias mostradas a través de un tiempo hacia atrás en donde por medio de saltos continuos se nos muestra el mundo del protagonista. Estos saltos de tiempo se ven complementados por los manejos de colores en donde presenta las imágenes en blanco y negro para determinar partes de la obra que conducen al lo que sigue, como lapsos sin tiempo entre toda la estructura del film. Y por otra parte las imágenes expuestas normalmente, que nos muestras la historia en si.

Todo este manejo del tiempo nos da como conclusión una realidad incierta una realidad dependiente de los objetos, del pasado plasmado en papeles, esa realidad es donde juega el hombre.

Por: José Andrés Ocaña.

Teresa el cuerpo de Cristo

Teresa el cuerpo de Cristo dirigida por Ray Loriga retrata la vida de las santa, esa santa mujer con deseos, miedos una santa que va contra toda un poder eclesiástico y social.

El la obra el personaje principal Teresa ocupa prácticamente todos los planos de la película y la historia se centra en su vocación como novicia y más tarde como fundadora de una nueva orden.

El autor más que revelar la verdadera imagen de santa captada en toda su expresión le interesa más el clima de desorientación miedo que vive la Iglesia en ese tiempo en donde la muerte a manos de la Inquisición está al orden del día. En se desarrolla el personaje de teresa y desde este momento empiezan sus falencias. Todo sería correcto si el personaje tuviera la fuerza y el carácter de enfrentar todo el sistema eclesiástico incorrecto como costumbres de los conventos un tanto mundanizadas, y enfrentarse a prácticas e influencias de poderes laicos y eclesiásticos.
Otra falla del personaje es la falta de sensibilidad para adentrarse en las cuestiones del alma y su intimidad con Dios que verdaderamente deben expresarse en una santa en donde este tema queda tratado muy superficialmente, incapaz de sublimar y elevar el enamoramiento con Dios a categorías espirituales creíbles, y a la que parece renunciar para quedarse en caricias sensuales y superficiales.

Cabe resalta una estética pulcra expresada por el director, un vestuario barroco y preciosista para una puesta en escena estilizada. La posición de las cámaras en lugares estratégicos desde donde resaltar la belleza de la actriz o los ambientes frecuentados por doñas y criadas permite imágenes extraordinarias en donde recoge la verdadera esencia de la luz y los colores.

El claroscuro de las imágenes hace que estén cargadas de una fuerte simbología religiosa dando carácter escultórico a Cristo en la cruz, o paisajes que parecen salidos de cuadros impresionistas.

Por: José Andrés Ocaña.

El Pintor de las Manos.. Eduardo Kingman

El Pintor de las Manos.. Eduardo Kingman

Datos:

- Miembro fundador de la Casa de la Cultura.
- Abrió la primera galería en Quito.
- Viajó a Estados Unidos para pintar murales del Ecuador en la Feria Mundial de Nueva York.
- Sus cuadros fueron adquiridos por los cuadros de San Francisco.
- Expuso en New York Museum junto a los más grandes artistas de su tiempo.


Es uno de los grandes del movimiento más vigoroso de las artes visuales ecuatorianas del siglo: ese empeño por atacar temas propios y populares con formas de fuerte expresividad, rompiendo con cualquier academicismo y que comenzó en la década de los treinta, fue la irrupción de una generación con ideales y postulados nuevos en todos los frentes: en política, en sociología, en literatura y en arte. En el arte, Kingman iba a cumplir, desde muy pronto, un papel decisivo.


Vivió en una casita al norte, en las afueras de la urbe, donde el tranvía dejaba la avenida 10 de agosto y torcía hacia la Colón. El y su hermano Nicolás, tenía que estudiar en El Normal Juan Montalvo,una escuela fiscal ubicada en las faldas del Pichincha, a más de diez kilómetros de su residencia. Cuando no tenían dinero para el tranvía había que caminar y caminar sin descanso.
Quito era una pequeña ciudad de calles estrechas y empinadas, templos coloniales, casas con ventanales enrejados y una vida enclaustrada. Pequeña urbe andina de unos cien mil habitantes, donde los cafetines y la cantina eran refugio de intelectuales y de bohemios con un agudo sentido del humor. A ese ambiente, entre cínico y monástico, los Kingman habrían de irse aclimatando lentamente, mientras con sus amigos empinaban el codo frente a una clase terrateniente llena de prejuicios morales, cuchicheos y segregación.


Eduardo Kingman vivió cerca de todas las capas sociales. Pero su fuerte está en ese medio donde sabía que sólo con esfuerzo intelectual podía ganarse un espacio.Terminada la escuela primaria ingresó al Colegio Mejía a exigencias de su familia, pero no culminó sus estudios porque prefirió dedicarse al arte y la contemplación.


El pintor era, sin saberlo, resultado de la revolución liberal. Pero por sobre todo era un creador. Dibujante por naturaleza, desde muy joven y a escondidas de los suyos, dejaría el colegio para ingresar a la Escuela de Bellas Artes (1928-1930), en la Alameda, el pequeño parque romántico de Quito.


Si uno suma la tensión social sufrida en su vida diaria, la poderosa presencia de la madre, el intenso mundo intelectual, político y social de los años 30 y 40, la bohemia de los 50, siente que Kingman es parte de una lava ardiente derramándose por los cuatro costados.


Sólo en los años 70 se lo encuentra en paz, casi aprendiendo a vivir aislado, entre tangos, milongas y paisajes rurales. Como en pequeña cápsula de cristal Kingman asimila lo vivido y no cesa, nunca lo ha hecho, de tomar la paleta, hacer sus bastidores, jugar con sus manos, parecidas a las de su madre y a la de todos los Kingman.


En este tiempo vive ya junto a su propio paisaje, sus recuerdos, pintando febrilmente, tomando café, fumando y silbando en dúo con el periquito del patio. A lo lejos, su mujer, Bertha Jijón, sigue sus ritos y sus costumbres, atenta a todo, como pared inamovible, protectora.



El Municipio de Rumiñahui innauguró en San Rafael el Parque Kingman. Este es un espacio creado en honor al legendario pintor ecuatoriano Eduardo Kingman Riofrío (Loja 1913 - Quito 1998), quien vivió durante 30 años en este valle.


Jorge Mora S.

Los 60' y 70' el testimonio plástico latinoamericano

"Los 60' y 70' el testimonio plástico latinoamericano"

Es el nombre de lo mejor de la producción plástica latinoamericana que se expuso en las salas Eduardo Kingman, Miguel de Santiago y Oswaldo Guayasamín de la Casa de la Cutura.Para hablar del arte latinoamericano de la década de los 60's y 70's, es necesario recordar los hechos que influyeron en el pensamiento social del conglomerado humano y con mayor razón de los artistas que con su sensibilidad y talento hicieron del arte un modo de vida.

El famoso año 68 francés que significó la reivindicación obrera y estudiantil, "Las panteras negras" que luchaban por la igualdad social de los afroamericanos, la guerra de Vietnam, la Revolución Cubana, el auge de las dictaduras en América Latina, o el "Boom" petrolero en Ecuador, son algunos hechos que influyeron en sus manifestaciones estéticas.existen otros elementos en los que se basan ciertos críticos del arte para proponer una lectura al respecto, como los estéticos y tecnológicos.

Marta Traba y Juan Acha, son dos autores cruciales de la crítica de la historia del arte latinoamericano, que representan posturas y épicas diferentes.

Marta Traba plantea una visión radical del arte de nuestro continente, lo ubica fuera de todo entorno corriente y vanguardista y lo define como un arte hambriento y extemporáneo, falto de innovación. Juan Acha, crítico peruano propone ptra visión menos estigmatizada, analiza la influencia tecnológica por parte de paises desarrollados hacia América Latina y como esta ayudó a transmitir lo que se hacía artisticamente en otros lugares.

Sea como fuere, el arte latinoamericano se caracteriza por los matices que algunos le parecerán gratos y a otros todo lo contrario.

Jorge Mora S.

Espacio Urbano

Las nubes están negras, el escenario en que me encuentro no es como el que esperaba encontrar. Rodeados de enormes paredes de aburridos edificio, el color del día es opaco, ensombrecido por algo por alguien, no lo se.

¡Sí el día tiene un verdadero color!

Yo diría que es un gris-amarillento que a ti persona normal no te estorba, por ser un acostumbrado zombi a este nuevo mundo, Sudamérica town.

¿Donde están las costumbres y tradiciones?, ¿El estruendoso ruido de la música popular que suena mientras tu estas por la calle?, ¿La no aburrida descripción de un personaje llamado Juan, Gilberto, o María?,¿Dónde está la vida de un latinoamericano?. Para responder estas preguntas solo hay que echar un vistazo al libro de Rafael Chaparro Madiedo en donde todas estas características verdaderamente no existen. Lo único que veo en sus personajes es el reflejo de una ciudad caótica en donde la costumbre y cotidianidad de su vida es simple aburrimiento.

Si partimos de los personajes del libro se puede decir que son personajes cotidianos verdaderamente desabridos y al mismo tiempo, sensitivos con el encierro que provoca el espacio donde se desenvuelven. El autor durante todos los capítulos trasmite esa sensación de urbanismo, de ciudad, de encierro a través de los sentidos de cada narrador de cada personaje. Se nos presentan como imágenes sensitivas rápidas, con palabras cortas y consecutivas que hacen que el espacio que se nos narra sea caótico. Estos personajes no trascienden, no viven, son verdaderos ciudadanos urbanos del costumbrismo, de la cotidianidad, de la impavidez.

Los espacios sobresaltados por los personajes y se podría decir que entran en primer plano los personajes solo divagan en él. En cada capítulo el espacio cambia y su percepción también existe distinta focalización por parte de cada uno de los personajes en especial cuando se cambia la forma de narrador. Al espacio se lo ve a través de niños, de una mujer, de un gato, de una tercera persona que refleja los sentidos del personaje narrado y esto ase que la obra tenga diferentes enfoques de un mismo espacio y que entretenga al lector.

La puntuación, las imágenes rápidas y fuertes, los personajes hacen del espacio un lugar de caos urbano de cotidianidad excesiva, que refleja verdaderamente la sociedad de hoy la sociedad basada en el mundo material.

Caos cotidiano acompañan a cada uno de los personajes dudo si es la verdadera realidad de hoy, mi realidad, tan atrapados con su entorno, tan impávidos hacia la superación, sin espacio, sin tiempo en donde las cosas, lo material, los placeres sensitivos son guía de vida, donde todo es instrumento de consumo……….

Por José Andrés Ocaña

Paralelogramo

Sinopsis

Dos hombres y dos mujeres configuran el paralelogramo humano. Una figura geométrica de cuatro lados ocupa cada uno de los ambientes propuestos: una universidad, una cárcel, un hospital psiquiátrico, una morgue, un vagón de ferrocarril y una oficina policial.

Escrita en 1935, la obra aborda temas vigentes como la libertad, la muerte y el cuestionamiento a las instituciones sociales. Su fuerza poética y su carácter vanguardista nos han desafiado a construir una propuesta que, utilizando varios lenguajes artísticos, pretende recuperar su valor histórico, apostando a un experimento escénico contemporáneo.

Paralelogramo es una obra caracterizada por la experimentación del escenario que hacen que al espectador mantener una continua tensión. Me gustó mucho por el cambió brusco que se dio en la puesta en escena en donde desde el inicio hasta el final de la obra el escenario rompió con todos los esquemas y sufrió una continua metamorfosis.

En la obra se utilizo una especie de paredes cambiables y flexibles y muy versátiles a la hora de cambiar de forma geométrica. En cada escena el escenario cambiaba de forma adaptándose a la trama en donde los actores se movían e interactuaban libremente. La utilización de este instrumento fue en contra con la tradicional forma de un escenario.

La característica que más me impresionó fue la actuación de los personajes como parte de la obra, no como simples espectadores en donde al empezar cada escena una persona del público se punía de pie y leía un pequeño monologo para dar comienzo a la nueva escena repitiéndose este acto periódicamente hasta el final.

La ruptura del tiempo lineal, del espacio y de los límites de la individualidad caracterizó a toda la obra. El espectador se vio envuelto en el erotismo del texto y tensión que atraviesa la relación de los personajes, para culminar en la nada.

Este texto original de Gonzalo Escudero tiene características propias de la fecha como son la búsqueda de ideales sociales, además de sátira sobre los personajes de esa fecha, teniendo similitud con la obra de Pablo Palacio.

Por: José Andrés Ocaña.